干貨 | 這里有一篇純藝術的申請攻略等你來拿！
提到設計類專業，你可以選擇的有很多
其中裝置藝術是大家最為陌生的一個專業！
到底什么是裝置藝術
而裝置藝術是純藝術的一個分支
?#裝 置 藝 術#??
是指藝術家在特定的時空環境里
將人類日常生活中的已消費或未消費過的
物質文化實體
進行藝術性地有效選擇、利用、改造、組合
以令其演繹出新的展示個體或群體
豐富的精神文化意蘊的藝術形態
簡單地講
裝置藝術??就是"場地+材料+情感"的綜合展示藝術
問題來了！
如果想學純藝，或裝置藝術
那選擇歐洲國家是不錯的選擇，同時美國也是不錯的選擇。
我們可以說現代藝術起源于歐洲，當代藝術成長在美國
歐洲的英國也是純藝專業最具有優勢的國家
而裝置藝術是Fine Art 純藝術專業的一個分支
?—?FINE ART?—
作為藝術發源地之一
在英國學習所接觸的文化歷史資源更為豐富
#NO.1?
皇家藝術學院（RCA）
但RCA目前只接受研究生。RCA的純藝形態銳意進取，總是站在先鋒的最前沿，英國國寶級的藝術家大衛.霍克尼就畢業于此。
#NO.2?
切爾西藝術與設計學院（Chelsea）
切爾西的純藝專業在英國口碑極高，校園內藝術氛圍很重。就讀于倫藝溫布爾登學院，因為CCW資源共享，就讀期間可以經常去切爾西聽講座，導師鼓勵同學們打破常見思維框架，在創作形式等方面大膽突破。
#NO.3?
溫布爾登藝術學院
溫布爾登的本科是全歐最好的，他們的工作室和作品，導師上課的風格很受學生歡迎，經常邀請藝術家給學生上課點評作品，參觀藝術家工作室，了解職業藝術家的真實狀態。鼓勵以跨學科研究的方式去創作。
#NO.4?
金史密斯學院
倫敦大學金史密斯學院的純藝類專業在英國聲譽極高，培養出很多優秀的青年藝術家。自1990年以來，來自Goldsmiths的畢業生已經獲得了超過30次的透納獎提名，并產生了7位得主。且在最新的QS世界大學排名中：作為一所專攻藝術類專業的院校，Goldsmith排名Art & Design綜合榜單第12名，全歐第5，全英第3名。
#NO.5?
中央圣馬丁學院（CSM）
圣馬丁一直以“天馬行空”的風格為人稱道，在純藝學習中院校鼓勵學生大膽嘗試不同的創作方式，更接近是實驗藝術的感覺。如果大家腦洞很大，且思想與行動能夠保持高度一致，敢想敢做，圣馬丁會很適合大家發展。
（#英國之外，大家有很多可供選擇的院校）
1. 法國
? 巴黎國立美術學院
? 里昂國立美術學院
? 巴黎塞爾奇美術學院
2. 德國
? 柏林藝術大學
? 漢堡造型藝術學院
? 杜塞爾多夫藝術學院
3. 意大利
? 米蘭美術學院（ACCADEMIA DI BELLE ARTI BRERA di MILANO）
? 羅馬美術學院（ACCADEMIA DI BELLE ARTI di ROMA）
? 佛羅倫薩美術學院（ACCADEMIA DI BELLE ARTI di FIRENZE）
?VO ART UNION?
純藝術專業
Fine Art - 純藝術，也被稱為“自由藝術”，是一門包含了眾多專業方向的綜合性藝術學科，不論是創作主題、創作風格，還是材料媒介、展示方式，都非常多元且綜合。正是因為這樣的學科特點，也使得純藝術專業的藝術家們在具備優秀專業素養和審美能力的同時，還需要擁有非常豐富的、綜合性的、跨專業性的知識儲備和專業能力，以及開闊的視角和思維能力。
純藝術專業在最初并不是一門需要結合其他學科而存在的領域，但是到了現在，純藝術專業的界限，已經被無限的擴大到任何一門學科都有可能被納入藝術的范疇之內了。對于藝術家們而言，他們也在不斷的努力嘗試著去打破更多的界限，讓藝術可以在更廣闊的范圍內得以發展。
純藝術相對于其他設計類專業往往更偏向于自我導向型，創作者往往也更注重于自我的表達，個性的展現，以及情感的宣泄。在創作過程中，藝術家會更多的選擇直觀的感官元素完成對抽象主題和概念的轉化。
作為藝術家，在進行藝術創作的時候需要從多方面的打開思路，調動自己的各個感官，讓自己可以更加敏感的感知并吸收更多來自不同領域的信息，并最終通過藝術的形式將這些內容表現出來。
藝術家不僅需要調動視覺感官，還需要調動其他所有感官，創作者需要時刻保持敏銳，令自己擅于思考，并有著強烈的自我表達欲望。只有當藝術家希望通過自己的藝術作品或藝術行為來展現自己的思想時，這樣的藝術作品才是真正藝術的展現。
在現在這樣的時代背景下，綜合感官進行的藝術創作已經越來越多的被藝術家們所創造，甚至除了感官，藝術家們還會加入心理上的一部分內容。
可能在很多人的印象中，純藝術創作者都是比較“貧困潦倒”的，以后也不好就業，所以在選擇專業的時候即使自己非常喜歡純藝，也會盡量避免選擇相關的專業。但其實純藝術專業的就業范圍還是非常廣的，并且市場前景也是非常不錯的，尤其現在有非常多的跨界合作，給了純藝更廣闊的發展空間。
純藝術專業的分類非常寬泛，主要有繪畫、雕塑、實驗藝術等幾個方向，在每個方向下又有很多小專業，比如繪畫方向就包含了傳統的油畫、壁畫、版畫、綜合材料繪畫等；實驗藝術中又包含裝置、實驗影像、行為藝術、交互藝術等等。
所以純藝術專業的同學在選擇就業時，除了最相關的插畫、策展、藝術指導、美術館畫廊、自由藝術外，藝術教育、平面設計、展示設計、產品設計、交互設計、新媒體應用、媒介材料也都是可以涉足的就業領域。
裝置藝術的核心并不只是裝置本身，更多的應該是這個裝置背后所包含的藝術家所提出的藝術觀念，想對于其他藝術活設計形式，裝置藝術往往更強調與整個展示空間、展示場地的關系。
杰蘇斯·拉斐爾·索托
Jesus Rafael Soto
委內瑞拉藝術家杰蘇斯·拉斐爾·索托(Jesus Rafael Soto)是南美洲著名的動力學藝術家、雕刻家和畫家。1923年他生于委內瑞拉玻利瓦爾城，1942至1947年就讀于加拉加斯藝術學院，學習、探索視覺藝術，畢業后他在馬拉開波藝術學院擔任藝術總監。1950年，索托移居巴黎，與亞科夫·阿加姆(Yaacov Agam)、吉恩·丁格利(Jean Tinguely)、維克托·瓦薩雷里(Victor Vasarely)等歐洲、拉美著名藝術家合作，并致力于視錯覺與活動雕塑藝術的探索與創作。從20世紀70年代起，其作品就在紐約古根海姆博物館、巴黎蓬皮杜藝術中心、荷蘭現代藝術博物館等世界各地博物館展出。
滲透 沉浸式動力裝置由 24000 根聚氯乙烯(聚氯乙烯)管子組成
“活動雕塑”最早是杜尚在看了考爾德的抽象、依靠風力運動的雕塑時提出的。
隨著科技的發展和人類對自身探索的不斷進步，20世紀中葉西方掀起了歐普藝術(optical art)。歐普藝術利用精確研究的幾何圖形和精心設計的色彩，造成視知覺運動感及閃爍感，色彩與形狀運動的視覺幻象。
同時，金屬焊接技術在戰后城市建設中的大量運用，也給雕塑藝術家們提供了新媒材的選擇，他們將目光重新聚焦在現代生活的各個方面，尤其是工業技術領域。藝術家和公眾對于動態的作品的興趣濃厚，1955年，巴黎的德內斯·和內美術館舉辦了大型雕塑展覽，索托的作品首次亮相于國際重要的藝術活動。
Metamorphosis 1954
S-T, 1959
UNTITLED (POUR MAGUY ET MOAMER), 1958
索托創作于20世紀50年代的幾何形繪畫與后來委內瑞拉光效應繪畫關系密切，其主要特點是物體在幾何型和有機形態之間振蕩。
1957年后的創作趨向于抽象敘事，索托的媒材多使用聚酰胺纖維、有機玻璃、鋼鐵和工業漆等材料，進行線性、動力的雕塑的實驗。受蒙德里安、康定斯基的作品和理論啟發，他對色彩、知覺和視幻覺進行了深入的研究，從而陸續創作出各種動態雕塑樣式。
索托認為在外部自然世界中蘊藏著內部的幾何世界，它如同自然界的精神語言，將內與外緊密相連。索托用不斷重復的同一單元來制造整體節奏的效果。
像瓦薩雷里、考爾德(Alexander Calder)、喬治里奇(George Rickey)那樣，索托反復探究材料的重疊所產生的效果，把兩塊繪有圖案有機玻璃重疊起來，中間留有一定的空間，讓圖案在前后有機玻璃板之間交互相融，還在塑桿網幕前后突出金屬絲線，在顫動的背景面前垂掛上細金屬或塑料管在多重光色、動力的作用下，產生神奇的夢幻效果。
從光學角度來看，這種顫動感會不斷消解、淹沒前面掛著的固體物件。當觀眾移步移視線時，每一瞬間都因為光效應之波的閃爍而產生動感。
S/T (LE?O VIEJO), 1960
UNTITLED (LA FICELLE), 1961
"STRUCTURES VIVANTES BURY, SOTO, TAKIS"
索托最有代表性的作品是一個掛著多桿棒組成的大空間，這吊桿似乎與房間整個空間溶成一體，致使所有的步入其中的觀眾都對封閉空間產生了特別的幻覺感受。
索托希望將這種視幻覺的探索延伸到實際生活中，他反復試驗，將流線型、幾何型、重復線條置于超大空間中，展現了色彩、形態無限組合的可能性。人們隨著觀看距離、觀看角度以及觀看者移動速度的不同而產生豐富的視像。
這些色彩網狀產生的動幻效果，延伸了觀眾對空間的視覺與心理感受。自1967年以來，索托經過近30次不斷改進，展示他的裝置《可穿透的》(Penetrable)。
2004年最后一次在美國休斯敦藝術博物館(Museum of Fine Arts Houston)展出，索托用鋁制架構、塑料管、絲網印油墨、黃、藍色漆等材料將雕塑的觀念擴展到雕塑之外的視域。
從某些角度看，好像是銀河系中一艘閃閃發光的宇宙飛船。藝術家借鑒了體感游戲藝術，將藝術的表達融入了時間的因素，懸掛的藍色條帶碰觸著觀眾的身體，使之置身于密集的網線中，成為作品的一部分。藝術觀賞不再局限于視覺，作品所能提供的感官體驗被大大拓寬，索托試圖將任何進入作品的人釋放出各自的情緒。
用他自己的話說：《可穿透的》不僅僅是一件藝術作品，它可以使任何空間、環境具體化、詩意化，而成為一個流動、變幻的空間。
UNTITLED, (MUR BLEU), 1966
"EXPOSITION UNIVERSELLE DE MONTRéAL"
索托的活動雕塑的觀賞很大程度上取決于光作用，作品被安置在光學效果明顯之處。作品大多包含金屬細桿和色漆等材料，那些物件材質在光的作用上不斷被背景所吞沒，觀眾越是試圖看清，它們看上去就越是能產生視幻覺。
從各個角度觀看都給人以不同的感覺。從天頂垂掛黃、藍彩線簾以及開放性的空間增強了互動性，觀眾可以在密集的線簾中隨意走動、觸摸，隨著自身位置的改變而產生動感，給人以無窮的樂趣。
索托從物理上營造出了真實與虛幻的空間在巴洛克、立體主義及未來主義藝術實驗的基礎上，又有了新的嘗試與跨越。
GRAND TES JAUNE, 1979
"ENTRANCE HALL OF RENAULT HEADQUARTERS"
索托早期的繪畫作品最初多用黑色和白色之間產生視錯覺的效果，到了1960年代的后期，他才開始用較為明快的色彩，嘗試運用標準色、幾何形，有時呈正面，有時呈側面，用平涂手法，使色彩與底色形成強烈的對比。
索托善于把控色彩的特性并將其運用得恰如其分，給人一種舒適的冷暖、進退感。2011年當他創作的《大橢圓》(ellipse)紅和藍被放在一起時，它們的這種特性就會相互影響，從而使整個畫面看起來非常和諧。
同時，暖色和純度高的色有前進感，而冷色和相對純度低的色有后退感，索托巧妙地運用色彩的這種特性，用色彩純度的變化表現空間感，將人的視覺與感知引入了畫面深處。觀眾對色彩能產生視覺、幻覺，產生心靈的感受。
因此，索托的動態雕塑還蘊含著設計心理學的因素。從根本上說，索托的動態雕塑運用的是精確空間、色彩設計的方法，將科學的理性思維帶入了作品之中。這種藝術與科學結合的歷史可追溯至文藝復興時期對透視學的研究，甚至再往前推至中世紀馬賽克壁畫中色彩與透視的效果。
索托的動態雕塑不論是向外的延展，還是向內的深入，最終都達到了一種效果——流動。只是流動的趨向不同，采取的手法不同，一個是通過形態的變化，一個是借助光作用于色彩的漸變。不論向邊緣還是向內部，都在動態中。
從表現意義上講，因為整個自然界都是運動的，所以流動很容易讓人產生聯想。事實上，自然界本身就處于流動的狀態，時間上在流動，空間上也在流動。索托的作品正是通過運用光、線條、色彩以及各種的幾何形態來書寫其視覺語言，獲得一種動態的形式美和內在的意境美、韻律美，最終給人一種超乎象外的視覺與精神享受。
EXTENSIóN AMARILLA Y BLANCA, 1979
SEIS PLANOS VIBRANTES, 1988
因此，索托的裝置藝術很適合當代都市公共空間，其作品價值也在逐漸攀升。在2012年秋季蘇富比的拉美當代藝術品拍賣會中，索托1960年的雕塑作品《鋼鋸》(The Hacksaw)成交價達到了100多萬美元。
這件在硬紙板上，由油漆、石膏和金屬構成的作品是活動藝術的早期典范。索托一生中制作了近30件裝置作品。索托的藝術是一種空間、環境的安排，不再僅局限于視覺經驗，而在于感官、心理體驗的拓寬。
作為享有盛名的南美動態雕塑藝術家，索托與他同輩的藝術家們共同開啟了雕塑、電腦、錄像及數字藝術的新時代，他的藝術成就也是拉美人民的驕傲。為此，委內瑞拉玻利瓦爾港市早在1973年就建立了杰蘇斯·索托現代藝術博物館(Jesús Soto Museum of Modern Art)，以展出運動及動力學方面的藝術作品為主，館內重點收藏了索托以及其他拉美知名藝術家的作品，以凸顯出拉美的藝術特色。
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